Тур по мастерским: Семён Мотолянец

Петербург по праву носит звание культурной столицы. В нашем городе проживает множество талантливых живописцев, скульпторов и архитекторов. Команда «Культуры Петербурга» решила знакомить читателей с творчеством, заглядывая к авторам в гости. Так появилась рубрика «Тур по мастерским».

После долгого перерыва, мы отправились в гости к Семёну Мотолянецу, участнику петербургского объединения Parazit, художнику с разносторонней художественной практикой и создателю группы «Мыло».

Поговорили о сквозных метафорах, академической живописи в противовес современному искусству и даже о новом творческом проекте.

Он называется «Зеленые ветки». Забежим вперед и скажем, что в нем замешан Лев Николаевич Толстой.

Фото: Александр Собкив. Правообладатель: Институт культурных программ. 

- Семён, скажите пару слов о своей мастерской.

- Мастерскую получил на год в 2021-м, как резиденцию от «Пушкинской-10». Но произошла пролонгация, и мы продлили договор. Занимаюсь здесь только живописью. Пушкинская - место намоленное, и рисуется здесь легко.

При этом, понимаю, что я в этой мастерской не навсегда.

- Важен ли для творца «гений места»?

- Я бы хотел, чтобы внешнее не играло никакой роли для искусства. Бывают «последние» мастерские, те места, в которых ты чувствуешь, что останешься до конца своих творческих дней, такие пространства хочется обустраивать, вешать туда разнообразные полочки, покупать мебель. Нынешняя мастерская не из этой серии.

Всегда нутром чувствовал, что нужно трудиться там, где придется, работать импульсивно, «на коленке». Атмосфера для меня точно не важна. Когда начинал с «Паразитами», мы работали в зданиях складов и заброшенных парикмахерских, бывало и в затопленных помещениях, где, чтобы пройти к рабочему месту, нужно было снимать ботинки и перешагивать лужи.

Всегда можно найти варианты для того, чтобы творить.

- По версии многих изданий вы один из лучших современных художников России, а также один из самых продаваемых отечественных художников. Как скоро пришло признание?

- Если бегун куда-то бежит, он хочет добраться до финиша. Для художника такого рубежа не существует. Мастер будет носиться кругами, а вместо финиша вообще убежит в лес. Если ты талантлив и работоспособен, то успех неизбежен. Противостоять ему можно только, если ничего не делать и вечно чего-то ожидать. Труд окупается. Художник, у которого есть 1000 холстов, рано или поздно обретет признание и станет богатым.

Чего не сказать о том, у кого этих холстов четыре. Одну картину гости случайно зальют кипятком, вторая сгорит в чьей-нибудь квартире, третью потеряют на чердаке, а четвертую - при перевозке.

- Идея, концепция, нарратив. Важны ли они? Всегда ли у произведения должен быть смысл? И количество - не враг качества?

- Я - сторонник концептуального искусства с большой буквы «К». Сейчас многие творцы причисляют себя к этому направлению. Но важно понимать, что идея этого вида искусства не распространяется на все визуальные жанры. Допустим, пластическое направление не является концептуальным.

Жизнь художника далека от жизни рок-звезды. Если ты не будешь красить, писать, то ты ничего не добьешься. Здесь имеет место рутина. А раскрасить ее можно яркими открытиями и перфомансами. Живопись – рутинная работа для одиночек, которые видят смысл в том, чтобы смешивать краски и добиваться различных визуальных эффектов.

Плохую живопись любят называть концептуальным искусством. Но, на мой взгляд, любая живопись построена на идее. А концептуальная – и подавно!

Возможно, я - заложник академического образования, но мне важно, чтобы у искусства были цель и смысл. И чтобы эта идея была талантливо и умело воплощена.

- Вы упомянули академию Штиглица. Насколько важно для творца художественное образование? Или это некий атавизм, пережитки?

- Испытываю недоверие к людям без образования. Художник без навыков, это как врач без диплома, без ординатуры и практики. Не сяду в машину к человеку без водительских прав и не смогу должным образом оценить работы художника, не знающего основ ремесла.

- Художники с академическим образованием сейчас представляют андеграунд.

- Сейчас, однозначно, происходит процесс снижения квалификации мастера. Если раньше, допустим, в 80-е годы ребята в Академии писали пальцы, фигуры моделей, сосредотачиваясь на деталях. То теперь качество работ снижается, навыка все меньше. Мало чувствовать, что ты художник, нужно соответствовать этой профессии.

Понятно, что горячий менеджмент убедит, что и такие картины нужно купить. Но даже самые авангардные процессы должны приводить к качественным результатам.

Современное искусство бегает вокруг пустого поля. Эпатируйте, вызывайте эмоцию, шокируйте зрителя. Но если за всеми этими провокациями не стоит идеи и качества, художника спустя год никто и не вспомнит.

Фото: Александр Собкив. Правообладатель: Институт культурных программ. 

- Как считаете, должно ли искусство быть понятным?

- Я не сторонник давать зрителям свободные интерпретации. Искусство всегда защищает форму. Я - противник интуитивного искусства, выступаю за то, чтобы художник контролировал процессы и четко работал с нарративом.

Если все можно увидеть по-своему, а каждый элемент называть искусством, то произведение теряет свою ценность и идею.

- Насколько переплетены искусство и коммерция, может ли одно существовать без другого?

- Связаны, но не прямой связью. Было бы славно, если бы художники могли собирать Олимпийский, выходить на сцену и слушать радостные крики зрителей: «Мы все поняли! Это про вечность!». Однако это фантазии. В реальности же публике порой нужно разжевывать свои идеи. Ценители и покупатели искусства - особенные люди.

- Получается, современному художнику необходимы куратор или галерея, которые бы его продвигали?

- Об этом проект «Зеленые ветки», над которым мы сейчас работаем с командой. Человеку нужен человек, а художнику нужен художник (не всегда куратор или галерея!). В Anna Nova меня позвал Пётр Швецов, в Marina Gisich Gallery - Керим Рагимов.
Раньше звали меня, теперь - зову я.

- А что представляет собой проект «Зеленые ветки»?

- Одноименная выставка уже проходила в «Паразитах». Тогда ее курировал Тимур Мусаев-Каган.

Но история эта глубже, она отсылает нас в девятнадцатый век. 

В детстве Льва Толстого его старший брат Николай придумал захватывающую легенду о зеленой палочке, спрятанной где-то в овраге. Якобы на этой палочке было написано некое послание, раскрывающее секрет всеобщего благополучия – мира без болезней и конфликтов. Эта детская фантазия о волшебной палочке, дарующей счастье, глубоко запала в душу будущему классику. Стала для него символом мечты об идеальном мире, основанном на любви и братстве, мечты, которую он пронес через всю свою жизнь.

Мы решили воплотить эту историю в образ. Это как раз о том, о чем мы говорили ранее. Без идеи не может быть искусства.

- Проект планируется коллективным, верно?

- Однозначно! Самому мне было бы не интересно этим заниматься, чего не сказать о работах, посвященных мылу.

К идее могут присоединиться художники из любого уголка Земли. Каждый может нарисовать свою зеленую ветку. Одна тема, один эскиз, а итоговый результат – разный. Каждый из мастеров в праве видоизменить дерево, гармонию, композицию.

Чем проще, тем лучше. Сила - в простоте. Говорю это не случайно, ведь эскиз нам помог сгенерировать искусственный интеллект. 

Сейчас мы с Нариманом Калашниковым вносим в него коррективы и экспериментируем с формой.  

- И немного о «мыльной опере»!

- Буквально на днях «Мыльное зернышко» вернулось из зарубежной мастерской. Это работа из новой серии «Пирамидок из мыла». Вдохновением к еще большому творческому росту стала английская народная сказка о парне Джеке, победившем великана, забравшись на небо. Сквозная тема про баланс в жизни, который так нам нужен.

 «Мыльное зернышко». Фото: Александр Собкив. Правообладатель: Институт культурных программ. 

Фото: Александр Собкив. Правообладатель: Институт культурных программ.

Материал подготовлен редакцией портала «Культура Петербурга». Цитирование или копирование возможно только со ссылкой на первоисточник: spbcult.ru